LA PINTURA ITALIANA DEL CINQUECENTO: MIGUEL ÁNGEL
RECUERDA LAS CARACTERÍSTICAS VISTAS EN CLASE SOBRE EL CINQUECENTO, ESPECIALMENTE LAS REFERIDAS A LA PINTURA.
Observando el siguiente cuadro (La Virgen y Sta. Ana, 1508-1510, de Leonardo da Vinci) intenta descubrir esas características que a continuación resumo:
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RECUERDA: en el cinquecento (1500-1530) culminan los cambios iniciados en el quattrocento, alcanzando las características del clasicismo:
- Las figuras se agrupan en composiciones triangulares y piramidales, con orden geométrico y simetría, características clásicas, en grupos que se comunican entre ellos con miradas y gestos. Las figuras se localizan en escenarios naturales (paisajes) o arquitectónicos clásicos.
- Naturalismo, que se pone de manifiesto en el ropaje, los rostros (idealizados en figuras femeninas y de niños), los cuerpos (estudio anatómico), el paisaje, la posición de los cuerpos (utilizando el escorzo) y el movimiento.
- Relacionado con lo anterior, los espacios y paisajes intentan representarse de la manera más natural y real posible. Por ello se utiliza la perspectiva lineal y aérea, mediante el esfumato (difuminado de las líneas), la grisalla (gradación de gamas de grises hasta unificarlo en una sola gama al fondo de los paisajes), o la luz que crea espacios de claridad y sombras. Con ello se consigue introducir la atmósfera y un ambiente más real.
- El color predomina sobre el dibujo. Con ello frente a la minuciosidad y detallismo del quattrocento se desarrollará la grandiosidad y monumentalidad en el cinquecento.
RECUERDA: Parte de estos cambios son aportación de Leonardo da Vinci (1452-1519). Sus datos biográficos y características artísticas más significativas ya las hemos visto en clase. Están en los apuntes y también puedes consultarlas en el libro, pero sobre todo observa esas características en la obra anterior y en las tres siguientes más conocidas de Leonardo: La Virgen de las Rocas (1483), La Santa Cena (1495-1497), La Gioconda o Monalisa (1503-05).
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Otro de los pintores más importantes del cinquecento fue Rafael Sanzio (Urbino 1483-Roma 1520). Observa la siguiente obra de Rafael (La bella jardinera, 1507), y compárala con la primera obra expuesta de Leonardo, La virgen y Sta. Ana)
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Vida corta pero carrera muy fructífera. Rafael se ajusta a las características del artista humanista (polifacético, teórico, etc.); protegido por mecenas como los Montefeltro o el Papa Julio II; trabaja y vive en las ciudades más importantes de Italia, donde estudió los restos de la cultura clásica y asimiló las mejores cualidades de los artistas más importantes de la época. Se formó con Perugino (figuras delicadas, composiciones simétricas...), estudió la obra de Leonardo (suave sfumato, esquema triangular...) y Miguel Ángel (dinamismo), y viajó a Roma con Bramante (estructuras arquitectónicas).
A pesar de estas influencias aportará unas características que lo hacen peculiar. Si decimos que en el cinquecento predominaba el color sobre el dibujo, en Rafael, a pesar de su colorismo, el dibujo tiene mucha importancia y el sfumato leonardesco es más tenue y suave, por lo que el espacio queda más limpio y claro. Fiel al naturalismo renacentista, considerará que la belleza es algo que está en la naturaleza y el artista debe sacarla a relucir. En los rostros, sobre todo femeninos y de vírgenes, representa la belleza idealizada, serena, diferente al dramatismo y "terribilità" de Miguel Ángel. (si en el examen os saliera, por ejemplo Miguel Ángel, estaría bien que nombrarais alguna diferencia con los anteriores).
Observa estas características en las obras más importantes de Rafael como las siguientes: Desposorios de la Virgen (1504), Madonna del Jilguero (1506), o los frescos en la Stanza della Segnatura en el Vaticano: La escuela de Atenas (1509-1510), que representa la filosofía clásica y se relaciona con el neoplatonismo; Las disputas por el Sacramento (1509), que representa la teología; El Parnaso, que representa la poesía.
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Como se ha visto, los temas predominantes son religiosos, como las vírgenes, pero también retratos, como el Retrato de León X con sus cardenales.
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Tanto Leonardo da Vinci como Rafael son pintores importantísimos del Cinquecento, pero pon especial atención en Miguel Ángel, pintor que, como ocurría en la arquitectura y escultura evolucionará desde el clasicismo del cinquecento a un estilo más personal, propio, que rompa y reaccione con las reglas de ese clasicismo, dando lugar al manierismo ("a la maniera de..."). Esto ocurrirá en distintos artistas, incluso en Rafael.
Se presenta entonces una duda: ¿es el manierismo un estilo diferenciado al cinquecento? Para algunos autores, el cinquecento incluirá una etapa clasicista (Bramante, Leonardo, casi toda la obra de Rafael...), entre 1500-1530 +/-, y una etapa manierista (Miguel Ángel, Pontormo...) con características peculiares, individualizadas, y que podremos relacionar con el Barroco posterior. Para otros, sin embargo el manierismo será un estilo diferente del cinquecento, y será el último periodo del Renacimiento. Miguel Ángel sería su máximo exponente. Esto tiene una importancia relativa, sólo a nivel de clasificación de los autores y sus obras. Lo importnte serán las características del manierismo. Estas ya las hemos visto en arquitectura y escultura. Recuérdalas: libertad del artista frente a la norma clásica, mayor diversidad en las formas y posiciones (escorzos más violentos), dinamismo, ruptura de la composición triangular, colores fuertes y contrastados, desequilibrio, tensión... Toda esta ruptura con la norma establecida hay quien lo relaciona con el momento histórico convulso que vivía la Iglesia: Reforma, guerras en Italia...
Ahora compara las dos obras siguientes:
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Una de ellas pertenece a Rafael, en su etapa más clasicista, la otra a Miguel Ángel. Sabrías decir cuál y porqué. Seguro que sí. Hazlo en el comentario del blog y envialo.
Sobre la biografía de Miguel Ángel y su personalidad ya hemos hablado. Ahora vamos a analizar su obra pictórica, que junto a su obra arquitectónica y escultórica parece que le van a dar especial importancia en la selectividad.
Miguel Ángel, incluso en la época más clasicista del cinquecento pintaba de forma muy personal y original. Observa el Tondo Doni anterior.
Siempre se consideró un escultor, y esto influye mucho sobre su pintura. Si nos fijamos en los cuerpos vemos que son monumentales, musculosos, voluminosos como en sus esculturas. Utiliza mucho los desnudos, aveces sin una función concreta. Los contornos están perfectamente delimitados, sin utilizar el sfumato como lo harían Leonardo o Rafael, dando lugar a ambientes limpios no vaporosos. Los colores, naranjas, azules, verdes, rojos son muy vivos, luminosos y contrastados (a diferencia de lo armonizados de Rafael). La luz es natural y servirá para destacar el volumen (como en el quattrocento), sin crear sombras como hubieran hecho Leonardo y Rafael. Las figuras humanas aparecen en actitudes dinámicas, torsiones (aveces helicoidales, como el ejemplo anterior), o violentos escorzos, que las harán más dinámicas. Muchas veces aparecerán en posiciones de desequilibrio (debeis recordar su escultura). Los gestos representan tensión, incluso enfado o dolor contenido (terribilità), a diferencia de la serenidad de Rafael.
Si os saliera la pintura de Miguel Ángel deberiais señalar estas relaciones con su escultura y las diferencias con los pintores Leonardo y Rafael.
La obra más conocida de Miguel Ángel, además de la anterior, son los frescos de la Capilla Sixtina. En el libro de texto se habla de ellos pero visita estas páginas web:
http://mv.vatican.va/4_ES/pages/CSN/CSN_Main.html
http://es.youtube.com/watch?v=d0UJzZRERMs
La Capilla Sixtina había comenzado a ser decorada, en sus paredes laterales, por los más importantes pintores del quattrocento como Boticelli, con escenas referentes a Moisés y Jesús. El papa Julio II pide a Miguel Ángel que decore la bóveda. Este se niega, inmerso como estaba en la realización de la tumba de Julio II, y llegó a huir de Roma, pero al final tuvo que aceptar. Eso si, cambia el proyecto inicial de realizar una composición iconográfica relacionada con los apóstoles, por otra con escenas del Génesis. Pintará casi él sólo toda la bóveda (800 m2) entre 1508 a 1512. La iconografía la puedes consultar en las páginas anteriores, y en la presentación de powerpoint. Las características artísticas las hemos visto anteriormente en este blog, y también lo puedes consultar en el libro y en la presentación de powerpoint.
Los 300 personajes +/- que aparecen en la bóveda (en escenas o individualmente) se enmarcan en una estructura arquitectónica simulada, como ocurrió en otros periodos y estilos (recuerda los frescos pompeyanos), compuesta por arcos, cornisas, pilastras, lunetos, capiteles... Eso ayuda a dar una impresión de mayor altura y espacio.
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El papa Pablo III encargó a Miguel Ángel la decoración del altar de la Capilla Sixtina en 1535. El fresco de enormes dimensiones recoge unas 400 figuras, sin estructura arquitectónica como en la bóveda. Para inspirarse utilizó además de la Biblia, otras obras como la Divina Comedia de Dante, y mezcla elementos clásicos con otros de la religión cristiana. El centro está ocupado por Cristo justiciero, monumental, con gesto duro, implacable (terribilità) incluso a la petición de piedad de la Virgen que está a su lado. Aparece desnudo, con la musculatura clásica, lo que ha llevado a relacionarlo con Jupiter. Están en el centro de un círculo formado por santos, profetas y apóstoles. En la parte inferior de este círculo está San Lorenzo y San Bartolomé con la piel humana símbolo de su martirio, en la que aparece un rostro que es el autorretrato de Miguel Ángel. En los laterales representará bienaventurados, mártires y personajes de la Iglesia. Bajo este piso hay otro en cuya parte central situa un grupo de ángeles que mediante trompetas despiertan a los muertos para el juicio. En la izquierda aparecen aquellos que, una vez han sido juzgados, ascienden al cielo, y en la derecha aquellos que han sido condenados y descienden hasta la barca de Caronte que los conducirá al infierno, que se representa en este ángulo inferior derecho. Arriba del todo, en los lunetos, representó los símbolos de la pasión (cruz, corona de espinas, y columna) portados por ángeles.
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Comenta la última imagen, siguiendo el guión que ya conoces.
2 comentarios
sergio -
rafael -