EL POSTIMPRESIONISMO: VAN GOGH, GAUGUIN Y CÉZANNE.

El término postimpresionismo  hace referencia a muchos de los pintores de finales del s.XIX y principios del s.XX, más concretamente entre 1886 (última exposición impresionista) y 1907 (cuando se expone la obra de Picasso Las señoritas de Avignón, que marcó un cambio fundamental). Se formaron en el impresionismo, pero irán más allá en sus innovaciones. No se tratan de un grupo homogéneo, cohesionado, pero están relacionados por afinidades ideológicas, por su amistad, por la crítica y superación del impresionismo..., pero cada autor tendrá características distintas que influirán en otros artistas del s.XX, como fauvistas o cubistas.

Mira y compara las dos obras siguientes. La primera es impresionista (Las amapolas, de Monet) y la segunda postimpresionista (Montaña de Sta. Victoria, de Cézanne). Los dos son paisajes pero observa que hay diferencias:

http://www.pintoresfamosos.cl/obras/coleccion/monet-3.jpg 

http://www.artchive.com/artchive/c/cezanne/mtsv11.jpg 

Ya en los años ochenta del s.XIX algunos pintores, como Seurat y Signac, habían discrepado de Monet, al que acusaban de romántico, y de abandonar la forma y los principios de pintura científica. Los impresionistas ya repetían sus propios esquemas lo que produjo su agotamiento.

Los pintores postimpresionistas seguirán teniendo algunas de las influencias que determinó al impresionismo, como la admiración por el arte japonés, y seguirán utilizando algunas técnicas impresionistas: la pincelada suelta, la mezcla óptica, el contraste de colores complementarios, los temas cotidianos o paisajes, etc., pero se diferenciarán por otras características. Por ejemplo:

- Mientras los impresionistas quieren representar lo efímero y fugaz, lo cambiante, el ambiente del momento, los postimpresionistas representarán lo permanente.

- Mientras los impresionistas están interesados en representar la naturaleza tal y como la captan, los postimpresionistas creen que la obra de arte puede ser autónoma de la naturaleza y que el artista puede crear cosas nuevas, por encima del mero copiado. Se alejan por tanto del naturalismo impresionista.

- Mientras los impresionistas piensan que la forma casi no tiene importancia, y es una excusa para representar la luz, que es la que determina el color y por tanto la forma (Monet había llegado a sacrificar la forma), los postimpresionistas recuperan la importancia de la forma y la analizan buscando incluso darle mayor expresión a las cosas y las personas. Esto no significa que menosprecien la luz.  

- El color se aplica en grandes superficies planas y sin perder intensidad en la lejanía. Será lo que determine el volumen, sobre todo en pintores como Cézanne.

- Se añaden temas como los bodegones.

Dentro del postimpresionismo coincidirán varias tendencias (puntillismo, pintura nabi, naïf...), pero destacarán pintores como Cézanne, Gauguin o Vincent Van Gogh, unidos por un sentido trágico de la vida que les llevó al aislamiento, la huida a otras civilizaciones, e incluso el suicidio. Mal considerados y poco valorados en su época, influirán de forma determinante en el arte posterior, convirtiendose en el verdadero puente entre la pintura del s.XIX y la del s.XX, como fauvismo o cubismo.

 

VINCENT VAN GOGH (1853-1890)

  Autorretrato

Nació en Holanda, pero vivió en Francia. De joven se dedicó a la vida religiosa (hijo de pastor protestante) y llegó a trabajar en las minas de carbón. De caracter atormentado, padeció epilepsia y sufrió crisis de locura, en una de las cuales llegó a amputarse el lóbulo de la oreja. Desde París se trasladó a Arlés en 1888, al sur de Francia, en un ambiente rural que empezó a representar en sus pinturas. Fué internado en un hospital para enfermos mentales de Arlés y después en un asilo. En 1890 volvió a París donde se suicidó ese mismo año. Vivió en la miseria, y sólo su hermano Theo, marchante de una importante galería,  le ayudó.

 Era autodidacta y su carrera artística se concentró en apenas diez años. Comenzó estudiando a los paisajistas holandeses y el colorido de Rubens. Evolucionó desde una pintura social a otra más colorista y menos comprometidas, tras conocer en París, a donde se trasladó en 1886, la pintura impresionista y los grabadores japoneses. Posteriormente, por influencia de Signac y al alejarse de París evolucionó a un estilo más personal. Van Gogh pensaba que el impresionismo representaba lo evidente, pero no le dejaba representar lo que sentía. Para él, al igual que Gauguin, el color tiene una gran carga emotiva y lo usa de forma subjetiva (no real) sobre todo en los paisajes. Usa colores puros con predominio de azules y amarillos. Este tratamiento del color le convertirá en el precedente del fauvismo. Un ejemplo de lo anterior es la obra inferior. Observa que los troncos los pinta de color azul, o el cielo amarillo. No es real, sino una creación intelectual del autor.  

 http://www.foja0.com.ar/van.jpg

En París, empieza utilizando pinceladas cortas, parecidas al puntillismo (puntos), y después cuando se trasladó a Arlés, usará las pinceladas largas, sinuosas y con mucha pasta, aplicada con espátula o con la propia mano. Allí representó el ambiente rural predominante (paisajes, girasoles, cipreses, etc.). Un ejemplo es la obra siguiente:

http://photos.oes.org/albums/userpics/10002/Starry_Night-Vincent_VanGogh(1152x864).jpg (La noche estrellada. 1889)

Representa un paisaje nocturno, con un cielo repleto de estrellas, que sirve de excusa para expresar su mundo interior lleno de angustia, por lo que deforma la realidad, y su aproximación espiritual a la naturaleza. Lo pintó durante su estancia en un hospital psiquiátrico.

Fijaros las pinceladas sinuosas (onduladas), rápidas, que dan impresión de dinamismo y agitación para la naturaleza (estrellas, cipreses, cielo, montañas...), y rectas y gruesas para las casas, produciendo formas geométricas. Hay por tanto un contraste entre lo natural y lo artificial, por ejemplo lo circular de los astros frente a lo rectangular de las luces de las ventanas. El color tampoco es totalmente real: la luna naranja, el horizonte amarillo que contrasta con el azul intenso del cielo..., es una creación personal del artista. Un impresionista no utilizaría colores de forma caprichosa, sino que representaría aquellos que capta.

Los exteriores son uno de sus temas preferidos:

 http://enlavalla.files.wordpress.com/2006/12/van_gogh_cafe_arles.jpg (Terraza café en la Plaza de Arlés. 1888)

 http://www.sundials.gr/reading/Vincent%20van%20Gogh-Noon%20Rest%20from%20Work%201890.jpg (La siesta.1890)

http://www.todo-sobre.com/vincent-van-gogh/obras/la-catedral-de-auvers-sur-oise,-1890.jpg (La catedral de Auvers-sur-Oise. 1890)

Otros temas representados por Van Gogh:

- Los retratos y autorretratos:

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/biblioteca/expo/gog2b.jpg (Retrato del Doctor Gachet. 1890)

- Flores, sobre todo girasoles:

 http://rsta.pucmm.edu.do/biblioteca/pinacoteca/vanguardias/imagenes/van_gogh_girasoles.jpg (Los girasoles. 1888)

- Interiores:

http://rsta.pucmm.edu.do/biblioteca/pinacoteca/vanguardias/imagenes/van%20gogh%20la%20habitacion.jpg (La habitación de Vincent en Arlés. 1888)

Van Gogh es un ejemplo de la conversión del arte en un negocio. Durante su vida sólo vendió un cuadro, pero en la actualidad sus obras se cotizan en millones de euros.

PAUL GAUGUIN (1848-1903)

Nació en París, en una familia burguesa y liberal, casado y padre de cinco hijos, bien situado hasta 1883 en que la crisis económica arruinó su negocio (agente de bolsa). Entonces convirtió, lo que había sido una afición, en su profesión. Esto hizo que su mujer y sus hijos se fueran a vivir a Dinamarca, país de origen de ella con su familia. Pasó a representar el hombre y el artista que se enfrenta a lo establecido, por desacuerdo con la sociedad industrial en que vivía. En 1884 Gauguin se fue a vivir a Ruán con Pissarro. En 1887 hará un viaje a Martinica y Panamá, lo que influirá en su pintura. Después se instalará en la Bretaña, donde encuentra lo rústico (campesinas bretonas) y más tarde en la Provenza con Van Gogh durante dos meses. En 1891, arruinado y endeudado, se fue a la Polinesia, donde vivirá el resto de su vida, huyendo de la civilización europea. Tras un viaje a Francia (1897-98) volverá al Pacífico, decepcionado por la falta de reconocimiento, solo y enfermo, esta vez instalándose en las islas Martinica, en Atuona, donde morirá.

Gauguin, influido por Pissarro, comenzó su obra dentro de los cánones impresionistas, pero tras su viaje a la Martinica descubrirá un nuevo mundo más primitivo y menos artificial que el europeo. Esto le hará buscar un nuevo lenguaje artístico, más personal, basado en lo rústico y la simplicidad, durante su etapa  en Bretaña (1896-1891), y luego en lo exótico y salvaje (primitivismo) de otras civilizaciones y culturas (África, Japón, la Polinesia...) o lo antiguo (Egipto, Edad Media). Busca colores puros, intensos, inspirado en las vidrieras y esmaltes del arte medieval (cloisonismo), y llenos de contrastes sobre campos extensos, que se convertirá en un antecedente del fauvismo. Las formas, delimitadas por líneas negras, se simplifican. Por tanto el dibujo también recupera la importancia que en el impresionismo había perdido. Elimina lo superfluo acabando sus obras en una síntesis de color y forma, por lo que se le califica de "sintetista". Se aleja por tanto del naturalismo y la espontaneidad impresionista. Deja de preocuparle otros aspectos como la perspectiva y pone poca atención en la representación del volumen o la luz (desaparecen las sombras), Un ejemplo serán estas obras:

http://img516.imageshack.us/img516/7118/yvisindespusdelsermnjacfm5.jpg (Visión después del sermón. 1888)

http://www.culturageneral.net/pintura/cuadros/jpg/cristo_amarillo.jpg (Cristo amarillo. 1889)

Como se ve en estas obras, pintadas durante su estancia en la Bretaña, representa la sencillez y simplicidad de las mujeres bretonas, a través de su fervor religioso. En todas sus obras se impone un sentido simbólico. Para Gauguin la pintura no es un mero duplicado del mundo visible, sino una creación intelectual del artista. Se aleja del naturalismo y la espontaneidad impresionista. Lo que representan intenta transmitir un mensaje. Las escenas tienen un significado, simbolizan una idea (verdades eternas), aveces mística (la vida, la muerte...) o aveces sensibles (erotismo). Será el "simbolismo" (vestir la idea de una forma sensible). Un buen ejemplo será el cuadro siguiente, considerado por muchos como su testamento artístico, al resumir todas sus características:

http://arte.observatorio.info/wp-content/uploads/2007/12/paul_gauguin.jpg ("¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?". 1897)

Cuando pinta este cuadro, Gauguin está arruinado, enfermo (alcoholismo, sífilis...), acaba de morir una hija, decepcionado con la religión ("Mi hija ha muerto, ya no quiero a Dios"), y se plantea una serie de cuestiones transcendentales. En un escenario completamente primitivo (Tahití, donde se había instalado huyendo de la civilización occidental), representa distintas edades del hombre para reflexionar sobre el sentido de la vida. La escena empieza a la izquierda con una momia que se tapa los oidos para aislarse de la realidad, mientras que en la derecha tres tahitianas cuidan un niño recien nacido que representa la inocencia. Simboliza una de sus principales ideas, la salida de un artista es ir hacia lo simple, lo primitivo. En medio, un adulto coge una manzana de lo alto, lo que representa la tentación, la caida del hombre.

Otras obras muy significativas serán:

 http://personal.telefonica.terra.es/web/vr/gauguin/imagenes/tahitianas.jpg (Muchachas con flores de mango. 1899)

Gauguin quiere plasmar en estas dos muchachas tahitianas la sencillez de la vida indígena y de aquellos que viven de acuerdo con la naturaleza, el "buen salvaje". El fondo, verde y amarillo, no es una reproducción de la realidad, sino una creación del artista para destacar las figuras femeninas. Al mismo tiempo el color carmín intenso de las flores destacan, y concentran la atención del espectador, sobre el color ocre de los cuerpos desnudos de las muchachas. que aparecen con los pechos desnudos, tal y como era tradición en Tahití. Primitivismo, línea ondulada, colores fuertes y contrastados, etc. se ponen de manifiesto como en las obras siguientes:

 http://www.theartwolf.com/imagenestAW/Gauguin_woman_beach.jpg (Mujeres en Tahití. 1891)

http://www.vecinillas.net/Portal/Contenidos/images/tmp/blog/gauguin_felicidad_1.jpg (Arearea. 1892)

PAUL CÉZANNE (1839-1906)

Nació en Aix-en-Provence (Francia). Aunque de origen humilde no careció de recursos económicos suficientes. Estudió Derecho en su ciudad natal, por presión de su padre, hasta que se dió cuenta que su verdadera vocación era el dibujo y la pintura. En 1861 recibió una asignación y se trasladó a París, donde conoció entre otros pintores de la época a Pissarro, que ejercerá una gran influencia sobre Cézanne. Se formó por tanto con los impresionistas. Conoció a Hortense Fiquet, con la que tuvo un hijo y, aunque unos años después se casó con ella, mantuvo una relación bastante tormentosa (separaciones, reconciliaciones, peleas...). Su caracter le llevó a tener problemas con aquellos que le rodeaban como su padre o Zola, amigo desde la infancia. Con alguna excepción pasó toda su vida en la Provenza, al sur de Francia. Cézanne, a pesar de los fracasos iniciales como impresionista, fue el único que gozó de cierto reconocimiento y éxito durante su vida, entre un público no muy mayoritario. Fue uno de los pintores que más influyó en los artistas posteriores, sobre todo en los cubistas.

Al principio de su carrera, durante su estancia en París, es patente la influencia del romanticismo, influenciado entre otros por Delacroix. Tonos oscuros, pincelada espesa... Sus obras serán rechazadas por el Salón oficial, y expondrá en el llamado Salón de los rechazados, fundado en 1863. Cada vez será mayor su relación con pintores como Manet o Pissarro.

http://www.liverpoolmuseums.org.uk/walker/collections/19c/graphics/large/cezanne.jpg (El asesinato. 1867)

A partir de 1872 se instala fuera de París en Auvers-sur-Oise, donde por influencia de Pissarro, empieza a cambiar su estilo con tonos más claros y brillante, reproduciendo paisajes (a plein air) y escenas de la vida rural. Llegó a exponer en la primera exposición impresionista en el estudio de Nadar en 1874 y en la tercera en 1877, pero fue el que menos éxito y más críticas desfavorables tuvo.

http://www.fcalzado.net/impresionismo/img/05/colgado1.jpg (La casa del ahorcado. 1874)

Harto de los fracasos como impresionista, se instaló definitivamente en la Provenza, aislándose definitivamente del ambiente impresionista de París y decantándose hacia un estilo más personal en lo que se dió en llamar el "periodo constructivo". Deja de representar la sensación de la realidad, como hacían los impresionistas, para hacer una elaboración a partir de la sensación, es decir la realidad le inspira para crear algo nuevo. El color, cada vez más exacto, dejará de aplicarlo mediante pinceladas sueltas y rápidas (impresionista) para realizar manchas de color planos y extenso. Además revalorizará el volumen, incluso bordeándolo mediante líneas, en formas cúbicas y geometrizadas. Representará objetos vistos desde puntos diferentes, tal y como harán posteriormente los cubistas.

Con estas características, además de representar los temas tradicionales: paisajes, figuras humanas como bañistas, retratos, etc, retomará un tema abandonado por los impresionistas: los bodegones.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/90/Paul_C%C3%A9zanne_024.jpg (Puente Maincy. 1879-80)

http://www.cyberpadres.com/serpadre/nutricion/images/imag2/cezanne.jpg

En los últimos años de su vida lleva al máximo estas características, en lo que algunos historiadores han denominado "periodo sintético", por el que el color cada vez tiene más importancia hasta determinar la luz y el volumen.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/91/Paul_C%C3%A9zanne_048.jpg (Las grandes bañistas. 1900-05. De una serie)

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d2/Paul_C%C3%A9zanne_112.jpg (La montaña Santa Victoria. 1904-06. De una serie sobre esta montaña)

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9c/Paul_C%C3%A9zanne_-_Les_Joueurs_de_cartes.jpg (Los jugadores de naipes. 1890-95. De una serie sobre el mismo tema.)

En esta pintura (óleo), se aprecia como las pinceladas superpuestas y de diferentes tonalidades determinan los volúmenes geométricos que unidos van componiendo las figuras. Por ejemplo los brazos o los cuerpos parecen cilindros. Adquieren gran importancia los contrastes cromáticos: el jugador de la pipa viste en tonos marrones y pantalón amarillento, a la inversa que su contrincante.

La botella divide la composición en dos partes desiguales, y la mesa y las manos se convierten en el centro de atención.

A este cuadro se le ha buscado muchas interpretaciones. Representa un hecho cotidiano en Aix-en-Provence, una partida de cartas. El personaje de la pipa es un retrato del jardinero del padre del artista. Este aparece como un personaje veterano y seguro de sí mismo, mientras que su rival es más joven. Los naipes del primero son blancos (¿ganador?) y el segundo más oscuro (¿perdedor?). Para algunas interpretaciones representa el enfrentamiento entre sl artista y su padre. Según otros sería el propio artista quien se enfrenta a sus contradicciones.